Kurt Stimmeder

BIOGRAPHIE

Kurt Stimmeder (né en 1972 à Bad Leonfelden, en Autriche) est un peintre et lithographe contemporain installé à Linz.

À travers la peinture à l’huile sur toile et la lithographie originale, il développe une figuration psychologique fondée sur le geste. Son travail explore le potentiel expressif du corps humain : gestes subtils, tensions et états physiques fugaces qui révèlent des états psychiques intérieurs. Plutôt que de raconter une histoire, il construit des images en suspens entre présence et ambiguïté, dont le sens naît de la posture, du regard et des nuances du corps.

Ses lithographies sont imprimées à Prague en éditions limitées et signées. Ses œuvres figurent dans des collections privées et publiques en Europe, aux États-Unis et en Asie.

En 2026, CREA Cantieri del Contemporaneo, à Venise, a décerné à son travail une mention spéciale pour la qualité de la recherche dans le cadre de CREA OPEN.

Son travail a fait l’objet de descriptions en histoire de l’art à la Katholische Privat-Universität Linz (KU Linz). Il est présent dans la collection d’art de la Raiffeisenlandesbank Oberösterreich et a été filmé par l’Université d’art et de design de Linz pour Re:Frame.

DÉMARCHE DE L’ARTISTE

Je peins à l’huile sur toile. Je travaille à Linz.

Ce qui m’intéresse, c’est cette petite chose qui se glisse depuis l’inconscient : ce que le corps révèle sans que nous le voulions ni le contrôlions. La main qui serre trop fort. La mâchoire qui s’ouvre. Une tension qui attend de se relâcher, peut-être depuis trop longtemps. Quelques instants avant qu’elle n’affleure, en plein dedans, ou juste après. Dans tous les cas, un point où une résistance cède.

Mes tableaux prennent forme avec des modèles, dans une sorte de constellation systémique comme on en utilise en psychothérapie. Je pose une esquisse et une idée, parfois seulement un moment clé, je réunis les participants et je les laisse interagir. Des scénarios naissent d’eux-mêmes. J’observe et j’attends qu’une pose cède et que surgisse quelque chose qui ne peut pas être mis en scène.

Depuis 2018, les références à l’histoire de l’art dans mon travail servent à décrire l’esprit de notre époque. Une lecture néoromantique se dessine : de même que le romantisme idéalisait le Moyen Âge pour compenser l’hyperrationalisme et la frustration de voir les anciennes structures de pouvoir sans cesse se réaffirmer, mes références renvoient au même mécanisme compensatoire, désormais à l’œuvre dans l’inconscient collectif.

Dans « The Golden Blessing », deux femmes vêtues d’or, presque comme à une fête, rencontrent le Christ calme et immobile de Raphaël. Les contraires ne sont pas simplement juxtaposés : le geste de la main du Christ et la baguette magique que tiennent les femmes les relient, comme un pont entre les époques qui ouvre un monde à part, hors du temps. Pour moi, ce tableau a été un commencement, le moment où j’ai commencé à faire une place à la douceur humaine.

Une série réalisée au début de 2026 s’est tournée vers la rage, vers la chair morte que j’ai placée au centre du premier plan, sans possibilité de détourner le regard ; les tatouages sont les ornements du baroque transposés dans le présent.

De cette série est née « L’Origine du langage » : un morceau de chair comme matière prélinguistique, comme substance qui existe avant que nous ne la saisissions par le langage. Le titre déplace « L’Origine du monde » de Courbet : de l’origine de la vie à celle du langage. En arrière-plan se tient l’Agnus Dei de Zurbarán, l’agneau à l’instant qui précède la coupure, encore intact, déjà consacré.

En fin de compte, nous parlons d’aphorismes qui décrivent une seule chose : un voyage intérieur. « The Heroine’s Journey » joue avec tous les éléments précédents. Une figure entre dans un paysage d’après Bruegel ; seule la vérité de l’instant refuse de se montrer directement. La tête est floue, laissant au spectateur toute latitude d’interprétation. Pourtant, ce presque informe peut aussi nous rappeler que la peinture figurative, précisément, ne porte pas sur ce qui se voit, et que là réside sa force.

Mon travail invite à être lu comme un symbolisme contemporain. Suivant les mots du psychanalyste français Jacques Lacan, « Aimer, c’est donner ce qu’on n’a pas », il tend la main au spectateur : pour qu’il dépose sa propre histoire dans l’œuvre. Elle est prête à la porter.

Texte de Kurt Stimmeder