Kurt Stimmeder

BIOGRAFIE

Kurt Stimmeder (geboren 1972 in Bad Leonfelden, Österreich) ist ein zeitgenössischer Maler und Lithograf, der in Linz tätig ist.

In Öl auf Leinwand und in der Originallithografie entwickelt er eine psychologisch geprägte, auf Gestik beruhende Figuration. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht das Ausdruckspotenzial des menschlichen Körpers: subtile Gesten, Spannungen und flüchtige körperliche Zustände, die innere psychische Verfassungen sichtbar machen. Anstatt eine Geschichte zu erzählen, schafft er Bilder, die zwischen Präsenz und Mehrdeutigkeit schweben und deren Bedeutung aus Haltung, Blick und körperlichen Nuancen entsteht.

Seine Lithografien werden in Prag in signierten, limitierten Auflagen gedruckt. Seine Werke befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen in Europa, den Vereinigten Staaten und Asien.

2026 zeichnete CREA Cantieri del Contemporaneo in Venedig seine Arbeit bei CREA OPEN mit einer besonderen Erwähnung für die Qualität der Recherche aus.

Sein Werk wurde an der Katholischen Privat-Universität Linz (KU Linz) kunsthistorisch beschrieben, ist in der Kunstsammlung der Raiffeisenlandesbank Oberösterreich vertreten und wurde von der Kunstuniversität Linz für Re:Frame filmisch porträtiert.

KÜNSTLERISCHES STATEMENT

Ich male Öl auf Leinwand. Ich arbeite in Linz.

Mich interessiert das Kleine, das sich aus dem Unbewussten einschleicht: was der Körper offenbart, ohne dass wir es wollen oder kontrollieren. Die Hand, die zu fest zugreift. Der Kiefer, der sich öffnet. Eine Spannung, die auf Entladung wartet, vielleicht schon viel zu lange. Momente, bevor sie an die Oberfläche tritt, mittendrin oder kurz danach. Jedenfalls ein Punkt, an dem ein Widerstand nachgibt.

Meine Bilder entstehen mit Modellen, in einer Art systemischer Aufstellung, wie sie in der Psychotherapie verwendet wird. Ich gebe eine Skizze und eine Idee vor, manchmal nur einen Schlüsselmoment, bringe die Beteiligten zusammen und lasse sie miteinander interagieren. Szenarien entstehen von selbst. Ich beobachte und warte, bis eine Pose nachgibt und etwas zum Vorschein kommt, das sich nicht inszenieren lässt.

Seit 2018 dienen kunsthistorische Bezüge in meiner Arbeit dazu, den gegenwärtigen Zeitgeist zu beschreiben. Eine neoromantische Lesart liegt nahe: So wie die Romantik das Mittelalter idealisierte, um Hyperrationalismus und die Frustration über alte, sich immer wieder behauptende Machtstrukturen auszugleichen, verweisen meine Bezüge auf denselben kompensatorischen Mechanismus, der nun im kollektiven Unbewussten wirkt.

In „The Golden Blessing“ begegnen zwei Frauen in goldenen Gewändern, beinahe wie auf einer Party, dem ruhigen, statischen Christus Raffaels. Die Gegensätze stehen nicht bloß nebeneinander: Die Geste der Hand Christi und der Zauberstab in den Händen der Frauen verbinden sie, wie eine Brücke zwischen den Epochen, die jenseits der Zeit eine eigene Welt öffnet. Für mich war das Bild ein Anfang, der Moment, in dem ich begann, menschlicher Sanftheit Raum zu geben.

Eine Anfang 2026 entstandene Serie wandte sich der Wut zu, dem toten Fleisch, das ich in die Mitte des Vordergrunds rückte, ohne die Möglichkeit wegzusehen; die Tätowierungen sind die Ornamente des Barock, ins Heute übertragen.

Aus dieser Serie entstand „L’Origine du langage“: ein Stück Fleisch als vorsprachliche Materie, als Substanz, die existiert, bevor wir sie sprachlich erfassen. Der Titel verschiebt Courbets „L’Origine du monde“: vom Ursprung des Lebens zum Ursprung der Sprache. Dahinter steht Zurbaráns Agnus Dei, das Lamm im Augenblick vor dem Schnitt, noch unversehrt, schon geweiht.

Letztlich sprechen wir von Aphorismen, die eines beschreiben: eine Reise nach innen. „The Heroine’s Journey“ spielt mit allen vorangegangenen Elementen. Eine Figur tritt in eine Landschaft nach Bruegel; nur die augenblickliche Wahrheit will sich nicht unmittelbar zeigen. Der Kopf ist verschwommen und überlässt den Betrachtenden jede denkbare Deutungshoheit. Doch das beinahe Formlose mag uns auch daran erinnern, dass es gerade in der figurativen Malerei nicht um das Sichtbare geht und dass darin ihre Stärke liegt.

Meine Arbeit möchte als zeitgenössischer Symbolismus gelesen werden. Den Worten des französischen Psychoanalytikers Jacques Lacan folgend, „Lieben heißt, zu geben, was man nicht hat“, reicht sie den Betrachtenden die Hand: um die eigene Geschichte in das Werk hineinzulegen. Es ist bereit, sie zu tragen.

Text von Kurt Stimmeder